Blogs El Correo Digital > Tags > Teatro

El Palau, caro y con música grabada

2008-07-02T23:46:27+02:00

Fui al Palau de Les Arts de Valencia para ver Espartaco, el ballet de Khachaturian que traía Carlos Acosta, bailarín clásico cubano que ha cosechado un gran éxito con dicho espectáculo. La entrada en butaca me costó 75 euros. Se apagaron las luces y sonó El lago de los cisnes, de Tchaikowsky. La música surgió sucia, distorsionada, amplificada por cuatro megaaltavoces colocados en el escenario. Como la música estaba grabada, pues los bailarines siguieron bailando aunque los aplausos ahogaban la pieza ya que ellos, como la música, iban a piñón fijo. En el intermedio pedí hacer una reclamación, pero me dijeron que debía esperar al final para que me recibiera la jefa de sala. Al final, ni Espartaco ni Diana y Acteón, que era lo que prometía el folleto del Festival de Danza. Por fin pude acceder a la jefa de sala, que a mis argumentos respondió dándome una hoja de reclamaciones. Le dije que estaba indignado, que me sentía estafado. Que había comprado una entrada para Espartaco y me habían dado una menestra de numeritos sueltos. Que es increíble que el Palau de Les Arts cobre 75 euros por música grabada. Que para eso ya tenemos el Teatro Olympia por 30 euros y no hay necesidad de construir semejante sala. Que si con espectáculos así pretenden crear afición. Que dijeron que querían entrar en el circuito de espectáculos de la Scala de Milán o el Metropolitan de New York. Son patéticos y lo que más me duele es que de los 75 euros que pagué, seguro que más de la mitad se van al circuito de Fórmula 1, porque ahí no se ahorran gastos.

Me dice una amiga que en la entrada advierten que pueden cambiar la programación o los intérpretes y sólo devolverán el dinero si se suspende la función. Osea, que compras entradas para ver a Barbra Streisand y te sacan a Mari Trini, con todos mis respetos para ella.

En fin, construimos espacios increíbles para rellenar de contenidos vacíos. No existe respeto alguno por el público.

Paco Dolz

(Diario METRO Alicante, 26/06/2008)

"Ya sólo hago lo que me apetece"

2008-05-19T22:01:02+02:00

Hace unos años mi madre me hizo un regalo muy especial: entradas para el teatro. La obra era La Celestina, protagonizada por Nuria Espert. Era la primera vez que iba al teatro.

La semana pasada hice mi primera entrevista...

A sus espléndidos 73 años Nuria Espert puede presumir de lo que quiera, pero sobre todo de tener una de las carreras más prolíficas y completas de la escena española. Sin embargo no se resiste a dejar de seguir aprendiendo, y por eso se empeñó en que George Lavaudant la dirigiera en esta famosa obra de Feydeau, “Hay que purgar a Totó”; porque tenía “ganas de hacer comedia”. Hace unos días presentó la función en Bilbao, donde la Compañía del Teatro Español ha realizado tres representaciones antes de seguir con una gira que durará hasta diciembre.

- Repite con el director Georges Lauvaudant. ¿La experiencia ha sido tan satisfactoria?
- Trabajé con él en Play Strindberg, que también representamos en Bilbao, y causó un gran impacto en mí. Me di cuenta de que a estas alturas podía enseñarme tantas cosas... Así que le pedí que me dirigiera en esta obra, y lo cierto es que si no hubiera aceptado, yo no la habría hecho. Es uno de los mejores directores de Europa, con una gran sabiduría para los tempos y un gran director de actores.
- Muchos la califican como una reina del drama, ¿cómo le ha sentado la comedia?
- Lawrence Olivier decía que no se podía disfrutar haciendo tragedia o drama. Se sienten muchas cosas, pero no pueden ser descritas como disfrutar. También decía que sólo se disfruta de verdad en el teatro cómico, cuando tu partenaire es el público, es él el que te da la réplica. La verdad es que lamento haberme perdido tanto tiempo el placer de hacer comedia.
- Últimamente la hemos visto en papeles muy poco convencionales, ¿ha llegado a un punto en que puede arriesgarse al máximo?
- Tengo un poco esa impresión de que ya me lo puedo permitir todo, aunque me salga mal. Lo que tenía que ser, ya lo soy. Supongo que hace años tenía más miedo, aunque no recuerdo ser muy temerosa. Alguna vez he tenido temor de hacer algún trabajo que me parecía políticamente peligroso, en la etapa de Franco, y sin embargo otras veces he dudado en hacer algo por no parecerme suficientemente arriesgado para aquel momento. Ahora todo lo que me apetece lo hago, y sólo hago lo que me apetece. Es un privilegio que me he ganado con muchísimos años de esfuerzo y de trabajo, del que disfruto y del que presumo.
- La última vez que la vimos en el cine fue de la mano de Ventura Pons, y lo cierto es que era una cinta muy arriesgada. Ha hecho muy pocas películas, ¿le gusta hacer cine?
- No, rotundamente no. He hecho cuando me ha parecido que no se podia decir que no a algún proyecto. Nunca he tenido ninguna duda de que el teatro era lo que más me interesaba. Desde muy joven comprendí que el teatro era a lo que tenía que dedicarme, sin distraerme. En el cine, y en el cine de aquellos años, no me podían dar lo que yo misma me podía procurar. Esa fue mi decisión, aunque después de eso hice una película con Fernando Arrabal, que me gusta (“Viva la muerte”, 1971); mi marido dirgió “Maria Rosa”, que también me gusta, y ya muy tarde Ventura Pons ha venido con dos obras de teatro. Al venir del teatro y al saber yo como rueda Ventura, que rueda como si fuera teatro filmado he dicho que sí a ambas, pero no estoy nada interesada en el cine, para nada.

El personaje de su vida
Da la sensación de que la Espert siempre ha tenido las ideas muy claras. Encaja perfectamente en el papel de gran dama de la escena, y sin embargo en el trato personal demuestra una sencillez y una generosidad poco propias de una diva. Pero cuando mira a los ojos es Medea quien te mira, con una expresividad y una fuerza que las arrugas contribuyen a realzar. Son tantos los gestos que ha hecho suyos a lo largo de su carrera, que en su rostro estriado puede leerse la historia del teatro español.
- ¿Hay algún personaje que le haya marcado?
- Hay varios personajes que me han dejado muy buenos recuerdos, decir cuál es muy complicado. Cada uno de ellos estaba unido a la etapa que yo estaba viviendo en aquel momento. De pronto si estabas con apuros económicos y llegaba un papel que te ayudaba a salir de ellos le estabas profundamente agradecida aunque no fuera el mejor papel de tu vida. Sobre todo porque he hecho teatro muy arriesgado, muy vanguardista, los tropiezos económicos han sido una constante en mi vida. Así que cuando de pronto haces Yerma y funciona tan bien, te parece que es el papel de tu vida, pero el papel de tu vida no existe. Una vida son varios papeles, muchos, una carrera larga y que signifique algo son centenares de papeles, equivocaciones, aciertos...
- A estas alturas, ¿Se arrepiente de alguno de sus trabajos?
- No todos han tenido la misma calidad, claro. Algunos han tenido muchísima calidad y no han sido bien recibidos por el público, y en cambio algunos han tenido menos calidad y han sido grandes éxitos, así se van compensando unos con otros.
- ¿Está encaprichada con algún papel en especial?
- No, porque ya lo hubiera hecho. Es cierto que en esta obra me empeñé como una loca pero no era el papel lo que me hacía pedirlo, era el autor y el director. Hay muchos directores con los que me gustaría trabajar que no he tenido la suerte de trabajar, y hay grandes autores que no he representado y que sería fantástico encontrar el momento.
- ¿Por ejemplo?
- Ibsen, no he representado nunca a Ibsen, cuando tiene tantas mujeres que me vuelven loca y que me gustaría interpretar. Pero en una vida no cabe todo.
- De entre las jóvenes actrices españolas,¿ hay alguna a la que admire o en la que vea un talento especial? Mójese, por favor.
- Hay una actriz extraordinaria que ya no es para pasado mañana, es para este minuto, y es Blanca Portillo. Y hay otras séis o siete que me gustan mucho también...
- ¿En quién se fijaba cuando estaba empezando?
- Pues en nadie que estuviera a mi alcance. En Cataluña teníamos un mito que era Margarita Xirgu y en ella nos mirabamos todas sin haberla conocido. Ella se fue de España un año antes de que yo naciera y nunca la conocí, pero ella era un mito allí e hizo cosas mitológicas, como descubrir a Lorca, a Alberti, a Valle Inclán... Eso hace de ella una figura inmensa dentro de la cultura, no solo teatral, sino de la cultura española. Todas, todas las actrices catalanas la amamos y la veneramos.
-A pesar de sus enormes éxitos da la sensación de que su carrera no ha sido siempre un camino de rosas. ¿Cómo decidió dedicarse al teatro?
- Actuar es una profesión de riesgo, no en el sentido en que puede serlo la de escalador, pero es una profesión que desgasta mucho, y en la que tus experiencias privadas pueden enriquecer o empobrecer tu trabajo, y viceversa. Yo comencé a trabajar en esto, muy jovencita, como podía haberlo hecho en cualquier otra cosa, porque a los 14 años en aquella época había que trabajar. Fue al cabo de unos años cuando empecé a apasionarme, y a darme cuenta de que estaba hecha para el teatro.
- Esta gira dura hasta diciembre. Sigue trabajando a un ritmo vertiginoso y con una frescura envidiable, debe ser agotador...
- La verdad es que si, son muchas semanas, muchas ciudades, muchas representaciones. Pero para mí cada semana es un nuevo reto y la vivo con gran ilusión. La verdad es que estoy encantada de seguir trabajando a este ritmo y tengo la suerte de sentirme muy cómoda en esta Compañía.
- Con sus tres últimos montajes ha pasado por el teatro Arriaga ¿Qué le parece el público de Bilbao, que a veces ha tenido fama de poco efusivo?
- Puede sonar a un “viva Cartagena” o un “viva Bilbao”, pero lo cierto es que esperábamos con impaciencia llegar a Bilbao y recibir el calor de su público. Tiene un público espléndido, intelectual, generoso. Su respuesta marca mucho, y no es nada frío. Todos mis espectáculos, desde Gigi, los he traído a Bilbao y la respuesta del público siempre ha sido inmejorable.
- Y cuando acabe esta gira, tiene algún proyecto en mente...
- No, no. Prefiero concentrarme en lo que estoy haciendo, que ya es suficiente. Prefiero no pensar en lo que viene después.

Los sueños de Bernarda Alba en Barakaldo

2008-02-19T13:53:45+01:00

El sábado 8 de marzo a las siete de la tarde repiten representación en la Casa de Cultura Clara Campoamor de Barakaldo (c/ Gernikako Arbola nº41). Es una gran oportunidad para ver "Los sueños de Bernarda Alba" de la que ya hablé en este blog (ver post con mismo título a fecha 18 de febrero -he tenido un problemilla en el blog y el post del que hablo debería tener fecha de 20 de enero- ) por lo mucho que me gustó.

Si tienen la oportunidad de ir, disfrutarán de lo lindo de esta adaptación de la genial obra de Lorca "La Casa de Bernarda Alba" realizada por Alguis Arlauskas y comproborán el potencial de los jóvenes artistas de las promociones 07-08 de Arte Dramático de la Escuela de Teatro ARTEBI.

Les recuerdo el argumento:

Bernarda es esa mujer recta y sujeta a la estricta forma de vida de los pueblos españoles de la época que frusta los sueños de sus hijas, y los suyos propios, por un empecinamiento absoluto a no desviarse ni un ápice de lo que se espera de la mujer de entonces. Las hijas de Bernarda: Adela, Martirio, Angustias y Amelia nos muestran sus sueños, esos que las ayudan a seguir adelante, y su lucha interior por acatar las órdenes de una madre que les infunde respeto -por el simple hecho de ser sus madre- y odio -por personalizar la barrera que no les deja ser libres-.

¡Que la disfruten!

Los Sueños de Bernada Alba

2008-02-18T19:19:47+01:00

Efectivamente, éste, no es el título de la obra original de Federico García Lorca, sino una adaptación realizada y dirigida por Alguis Arlauskas e interpretada por unos magníficos artistas jóvenes que ya quisieran algunos. Esta representación, inspirada, por supuesto, en "La casa de Bernarda Alba" incluyó sueños y recuerdos de los personajes, fruto de las improvisaciones de los alumnos de las promociones 07-08 de Arte Dramático de la Escuela de Teatro de ARTEBI.

Bernarda (interpretada por Elena Vivanco), sigue siendo esa mujer recta y sujeta a la estricta forma de vida de los pueblos españoles de la época que frustra los sueños de sus hijas, y los suyos propios, por un empecinamiento absoluto a no desviarse ni un ápice de lo que se esperaba de la mujer de entonces. Las hijas de Bernarda: Adela (Sara San Cristóbal); Martirio (Iratxe Hernández); Angustias (Itziar Cobelo) y Amelia (Itxaso Alonso) nos muestran sus sueños, esos que las ayudan a seguir adelante, y su lucha interior por acatar las órdenes de una madre que les infunde respeto -por el simple hecho de ser su madre- y odio -por personalizar la barrera que no les deja ser libres-.

Pepe (Iker Díaz), representa el amor sincero (ya que está enamorado Adela que a su vez le corresponde) y el dolor desgarrador por la obligación de tener que casarse con otra hermana distinta a su amada. El amor, el dolor, la ganas de vivir, de morir, los sueños, las pérdidas... ¡Ver esta representación fue como estar subida en una montaña rusa!

Me encantó la representación. Vale que yo soy un público bastante agradecido, más si se trata de representaciones realizadas por amigos y soy conocedora del esfuerzo que ello les ha supuesto. Pero a pesar de todo, pude sentir que al terminar la obra, el resto del público sentía, si no lo mismo que yo, algo muy intenso. Como de recompensa y agradecimiento por el rato que habíamos pasado.

Sucede que Kontainer es una sala pequeña, donde cabe un número justo de gente para crear un ambiente envolvente. Además, al ser el estreno de la obra, los artistas dieron todo de su parte para que todo saliera perfecto (¡no digo que no lo hagan siempre! pero a veces, en segundas representaciones, se pierde algo de adrenalina y, si se presta atención, ello se percibe) y consiguieron crear un ambiente de concentración, de atención y de entrega por parte del público que recompensó a todos. Tras la representación hubo un coloquio en el que actores, director y público pudimos compartir nuestros sentimientos respecto a la obra. Como siempre, ¡un placer!

No me quiero despedir sin mencionar al resto del reparto: Paula Salinas (Poncia); Daniel Abarrategui (Benavides y Gañán 1); Gorka Albinarrate (Evaristo y Gañán 2 ); Alex de la Peña (Enrique) y June Kortazar (Coreografía).

¡Gracias a todos!

Misterios en el Teatro Arriaga

2008-07-13T17:40:25+02:00

No sé a ustedes pero a mí me encanta este Teatro. Me parece totalmente romántico y que, si sus paredes hablaran, revelarían secretos alucinantes de personajes singulares e incluso históricos. Este post está dedicado a la historia de este edificio y algunas anécdotas curiosas que personas cercanas al Teatro han podido rescatar.

Entre muchos de los misterios que guarda el Teatro Arriaga en sus entrañas, destaca la sala secreta llamada Orient Express. Un palco para autoridades que raras veces abre sus puertas. Su decoración recuerda al famoso tren de la novela de Agatha Christie. Pudiera parecer que Hércules Poirot va a entrar al vagón para interrogar a sus ocupantes y descubrir que también éstos están relacionados con el “caso Armstrong” y el asesinato acontecido.

El Teatro Arriga fue construído por Joaquín Rucoba y Octavio de Toledo, y adquirió este nombre por la plaza sobre la que se elevaba que llevaba el nombre del compositor bilbaíno Juan Crisóstomo de Arriaga. Abrió sus puertas por primera vez el 31 de mayo de 1890, a las ocho de la tarde, con la ópera Gioconda de Amilcare Ponchielli. 25 años después de la inauguración del Teatro, la noche del 22 de diciembre de 1914, un incendio reduce a cenizas el edificio. Federico Ugalde fue el arquitecto encargado de su reconstrucción. El 5 de junio de 1919 el Arriaga abría sus puertas de nuevo, pero esta vez con la ópera Don Carlo de Giuseppe Verdi.

En la actualidad, existen dos balcones en el escenario que se construyeron para un público muy especial. Si los guías del Teatro no advierten de su presencia, pasan desapercibidos. Por otra parte, era lo que se pretendía. Son de color negro, sin adornos y disponen de una entrada propia. Eran para la viudas de la época que querían disfrutar de un poco de arte sin ser expuestas a críticas ajenas.

La guerra civil, el paso de los años y los avatares de la época dejaron al edificio en mal estado. El riesgo que su situación suponía para artístas y público provocaron su cierre temporal hasta que en 1980, se inician los trabajos de reforma que se alargarían seis años. Las inundaciones de 1983 y la ampliación de los trabajos de reconstrucción a medida que avanzaba la obra, obstaculizaron su apertura temprana pero propiciaron una reforma intergral que hizo del Teatro lo que conocemos hoy. Las puertas del Arriaga se reabren el 5 de diciembre de 1986.

Supersticiones, secretos y misterios rodean al edificio. Los artistas no se desean suerte para el éxito de una actuación sino “mucha mierda” y nunca llevan amarillo en el estreno de una función. Tal es la superstición que hubo que cambiar el alicatado de los baños del pasillo (para uso exclusivo de los artistas) ya que habían puesto las baldosas de color amarillo.

La afombra roja que cubre la impresionante escalera imperial es una pieza única realizada artesanalmente por la Real Fábrica Nacional de Tapices. Se cuenta que uno de los directores del Teatro prohibió pisar dicha alfombra hasta que su sucesor permitió su paso sobre la misma. ¿Para qué sierve una alfombra si no?

El Arriga ha sido testigo de la presencia de personajes ilustres como la reina Doña Sofía o Federico García Lorca. De este último se dice que fue precisamente en este Teatro donde se le pudo ver por última vez con Margarita Xirbu (amiga y actriz favorita de Lorca), antes de que ella volara a Estados Unidos para seguir con su profesión.

Testigo de momentos de gloria, de recesión, de éxito, de fracaso, bienvenidas, despedidas, encuentros inesperados y mucho más, el Teatro Arriaga guardará por siempre esos secretos y misterios de los que, una vez, alguien le hizo conocedor. Espero algún día, darle a este Teatro una historia que guardar entre sus piedras. ¿No son los sueños los que hacen de la vida algo interesante?, ¡pues permítanme soñar!

Cuestión de química y sensibilidad

2008-02-05T11:56:10+01:00

¡Qué importante es para una institución cultural de titularidad pública que el político con capacidad de decisión sobre su funcionamiento posea sensibilidad hacia la actividad que realiza y tenga una buena química con su gestor!

Lo digo porque hay varios casos llamativos en los últimos tiempos. El más reciente acabamos de contarlo en EL CORREO y en este blog: la marcha de Mena de la Sinfónica de Bilbao porque no se considera suficientemente apoyado por la Diputación vizcaína. Hace cinco o seis años, con una diputada de Cultura (Ana Madariaga) del mismo partido, Mena tenía apoyo y recursos económicos para llevar a cabo sus proyectos. El mismo partido, el mismo director de la orquesta, pero su sucesora, Belén Greaves, no ha tenido ni de lejos la relación que Madariaga tuvo con Mena.

Vayamos a Madrid. Teatro Real. Cuando Alberto Ruiz Gallardón deja la presidencia de la Comunidad, la relación de su Gobierno con el teatro empeora. Su sucesora, Esperanza Aguirre, cierra el grifo del dinero, y no precisamente porque sea tiempo de crisis. Algunos proyectos del Real se reducen o son eliminados. Aguirre es del mismo partido (aunque a veces nadie lo diría) que Gallardón. Pero la química con los rectores del Real es más bien escasa, siendo generosos.

Volvamos a estas tierras. Sinfónica de Euskadi. Con la anterior consejera de Cultura, y presidenta del patronato que rige la orquesta, Mari Carmen Garmendia, la relación era muy fluida y sacar adelante los proyectos, muy fácil. Con la actual consejera, Miren Azkarate (del mismo partido), las cosas no son iguales. Falta esa química, esa chispa que hace que todo funcione mejor. No hay problemas como en la BOS, pero algunos miembros del patronato añoran tiempos pasados.

La pregunta es: ¿por qué tiene que depender de la sensibilidad del político de turno y de su capacidad de llevarse mejor o peor con los gestores la marcha de una entidad cultural?

Una Celebración Diferente: ¡Felices Fiestas!

2008-01-01T16:16:44+01:00

El próximo sábado día 29 tendrá lugar La Antigala, fiesta que organizan un grupo de amigos en navidades con el objetivo de celebrar tan entrañables fechas pero de una forma diferente. Se pone una temática, hasta la fecha, original y los participantes asisten aderezados con los atuendos apropiados. Las temáticas han sido variopintas: Mondo Fashion, Mondo Glamour, Mondo Árabe, Mondo Cinéfilo, Mondo Farándula, Mondo Bizarro... Este año es “Mondo Bilbofilo”.

La idea nace ya hace 10 años como contrapunto a la “artificial Gala de La Bilbaína, ese evento que año tras año infecta y contamina el cuerpo societario de Bilbao, nuestra tierra prometida” según palabras de una de las componentes de la organización del evento objeto de este post. A mí esta oposición tan rotunda a la gala a la que yo misma asistía hace unos añitos (¡ni bajo tortura diré cuántos!) me hace mucha gracia. Y es que ese evento visto desde la distancia es un poco horrible (ahora bien, en su día... ¡era lo más!).

Y... ¿qué tendrá que ver esto con el teatro?, pensarán algunos. Pues bien, este grupo organizador de La Antigala es el mismo que arrancó, en el año 2005, con la Sala Kontainer (lugar de celebración de la gala “subversiva”), escenario de muchas de las obras y otras representaciones que se verán detalladas en este blog de ahora en adelante.

Kontainer es una sala de ensayo y representación de iniciativas de teatro, danza y audiovisuales creada por un grupo de jóvenes actores para promocionar las artes escénicas. Además es un sitio bastante especial para mí. Sirva este post para presentar la sala de la que hablaré en futuras ocasiones y de reivindicación por eventos como La Antigala que dan a las navidades un toque diferente. Hagan lo que hagan estas navidades: ¡FELICES FIESTAS!

Un poco de Fuga

2007-12-25T14:01:53+01:00

Han pasado ya unos mesecitos desde que tuvo lugar este concierto, pero La Fuga estuvo de muerte en su acústico en el Arriaga en marzo de este año (2007). No es necesario ser un fan de este grupo para disfrutar del espectáculo que ofrecieron en ese teatro. Escuchar música en un local así ya la hace diferente. Más cercana, más íntima (el escenario estaba decorado como el salón de casa). Parece que le estén tocando sólo a uno. Y si es en acústico, ya lo hace increíble. Preguntando a un amigo músico, dice que tocar en acústico es como desnudarse, como mostrar la realidad de las canciones y su composición sin adornos. La realidad es que Edu (batería), Rulo (guitarra y voz), Fito (guitarra solista y voz) e Iñaki (bajo) nos hicieron disfrutar de lo lindo. Ahí van unas muestras: