"La ventana indiscreta" fue dirigida por Alfred Hitchcock en 1954, como adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich. Se trata de un tributo al cine y al cinéfilo, partícipe de las historias cotidianas de un vecindario (pequeñas historias cotidianas) a través de la mirada que ofrece el director.
La película cuenta la historia de un reportero gráfico, L.B. Jeffries, interpretado por James Stewart, que tras un accidente se encuentra convaleciente en una silla de ruedas sin poder moverse. El protagonista, incapaz de moverse, se dedica a observar por la ventana la vida del vecindario como entretenimiento: una bailarina, un matrimonio que duerme en el balcón, un viajante y su doliente esposa, una mujer solitaria, un músico fracasado y una pareja de recién casados. En un momento dado, Jeff sospecha que se haya cometido un crimen en un apartamento de enfrente, y implica a su novia, su enfermera y su amigo policía para que le ayuden a resolver el caso.
Por otro lado, la película plantea la narración de la extraña relación entre Jeff y su bella y adinerada novia Lisa (Grace Kelly), donde ella busca que el noviazgo termine en matrimonio, mientras que él es incapaz de comprometerse por su temor a la responsabilidad y la atadura.
Se trata de una magnífica puesta en escena de la contidianeidad explotando, no sólo la trama de intriga y asesinato, sino también la inconformidad de los intereses femeninos y masculinos. Las ventanas de la película son visiones cargadas de ironía del comportamiento social americano, lo que le da el tono humorístico al film, y al mismo tiempo pone en solfa la moralidad del fotógrafo o de los periodistas en general a la hora de inmiscuirse en la vida privada de los demás.
Hitchcock que domina el juego de planos, ángulos y movimientos, no deja de presentar situaciones cuando menos inverosímiles para ponerse una vez más a prueba. "La ventana indiscreta" supone la cima de esta inverosimilitud donde tiene que contar una historia a través de la relación de unos personajes que se encuentran en un lugar cerrado. Sin embargo, destaca una magnífica utilización del tempo y una brillante fotografía, que convierten a ésta, en uno de los mejores trabajos de este director.
En cuanto a la interpretación de los actores, todo se nos cuenta a través del punto de vista de un "mirón" instalado en un magnífico James Stewart, y con grandes actuaciones de Grace Kelly, así como del resto de los secundarios.

A continuación, el inicio de "La ventana indiscreta"; seguro que a cualquiera le entran ganas de seguir viéndola hasta el final...

"Winchester 73" es un western dirigido por Anthony Mann en 1950, con actores de la talla de James Stewart, Shelley Winters, Dan Duryea y Stephen McNally. El director, se especializó en este tipo de cine, y de él destacan otros títulos como "Horizontes lejanos" y "El hombre de Laramie" entre otros. Así, reune toda la herencia cultural del western con maestría para realizar este film, aunque sin ceñirse a los cánones estándar.
La película cuenta relata cómo Lin McAdam (interpretado por Stewar) llega a una ciudad el día de la independencia estadounidense, donde participa en un concurso de tiro, cuya victoria le hace alzarse con un valioso rifle: el Winchester 73. El arma será robado por otro de los personajes, que es lo que pone la trama en movimiento, ya que el protagonista comenzará una persecución implacable para poder recuperar su rifle.
La mayor originalidad de la película es que el papel principal no lo cubre un actor, sino un objeto: el rifle es, en esta ocasión, el hilo conductor de la historia; el que presenta a los diferentes personajes que van apareciendo -mientras, a su vez, conocemos sus historias-, el que introduce la acción... El preciado objeto va pasando de mano en mano, muerte tras muerte, robo tras robo, permitiendo que el espectador se adentre en un complejo y dramático universo protagonizado por pistoleros, indios, ladrones, bailarinas, etc.
Por otro lado, tiene una tendencia clásica, que es la historia de la búsqueda y venganza con un relato familiar de fondo (propio del cine del Viejo Oeste). Además, para seguir rompiendo con las normas tradicionales, en "Winchester 73", el protagonista es el personaje que menos aparece.
Anthony Mann pretende buscar una simbiosis entre los personajes y el paisaje que se mantiene hasta el último momento del film: cuando se produce el clásico duelo.
Respecto a la técnica, el director no utiliza demasiados movimientos de cámara sino que pone un especial empeño en el montaje para dar dinamismo a la película y conseguir una narración fluida.
En definitiva, al igual que el rifle del que toma su título, esta película es única y de un poder de fascinación increíble. Mann logra una obra maestra del séptimo arte con un conjunto de historias vinculadas por algo más que un simple rifle.

He aquí la escena en la que Lin McAdam obtiene el rifle en el concurso de tiros:

"Tiempos Modernos" dirigida por el gran Charles Chaplin en 1935, además fue producida, escrita y protagonizada por él mismo, realizando una ácida crítica al entorno social que estaba surgiendo en la época.
La historia relata el día a día de Charlot, un humilde hombre que trabaja en una línea de producción en serie donde su función específica es el de atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, lo que le produce un tic recurrente que le lleva al desquiciamiento total. Al final del film, tras permanecer recluido en un hospital psiquiátrico, se encuentra con una realidad distinta, donde todas las fábricas ya no funcionan; se trata de la crisis del 29, que suma a los trabajadores en la más profunda miseria.
Chaplin entendía perfectamente que los tiempos que corrían por aquel entonces, correspondía a una realidad inhumaa donde lo importante es que algunos (los ricos) obtengan grandes ganancias. Eso mismo quiere demostrar con este film; reflejar las condiciones de la clase obrera durante la Gran Depresión, sus precarias condiciones laborales y la calidad de vida regida por la eficiencia de la industrialización y de la producción en cadena.
La película fue realizada durante el desarrollo del cine sonoro, sin embargo Chaplin quiso que el film fuese mudo, aunque incluyendo ciertos efectos musicales, voces provenientes de radios y altavoces, así como la actividad de las máquinas de la fábrica. El cine de este director es tan privilegiado que las propias imágenes en silencio, sobran para contar la historia.
Al final de la película, a Charlot le contratan como cantante y el director juega con el espectador a su antojo, deseoso de escucha la voz del hombre que siempre se ha negado a hablar. Cuando por fin, después de muchos amagos, un rótulo le indica "Canta. No importan las palabras", Charlot empieza a cantar en francés, en una magistral actuación donde sus ojos, manos y gestos, hacen que no sea necesario entender el idioma.
Lo más llamativo de la película es que a pesar de ser muda, en blanco y negro y con rótulos, el espectador del siglo XXI sigue identificándose con el personaje protagonista. En efecto, el público de Chaplin es universal.

Secuencia de "Tiempos Modernos" donde se ve a Charlot en la dura y veloz labor que desempeña cada día; eso sí, en clave cómica:

A pesar de que "El tercer hombre" fue dirigida por Carol Reed, el que Orson Welles protagonizará el film, bien pudo tener que ver en el resultado final, ya que se percibe cierta influencia en el tipo de cine que acostumbraba el director inglés.
La película se enmarca en el período de posguerra, donde un escritor americano llega a Viena a visitar a un amigo para descubrir que ha fallecido en un extraño accidente de tráfico. La investigación sobre el curioso caso le llevará a tomar decisiones que le pondrán en un verdadero aprieto.
Los actores de esta obra maestra del cine negro realizan una labor magistral, potenciada por la relación que existe entre los personajes de la historia. Pero ante todo, destaca el impresionante papel de Orson Welles, cuya escasa presencia logra eclipsar la interpretación del propio protagonista. Esto demuestra que Welles además de ser un gran director, también lo es como actor.
El tercer hombre rompe con los cánones de la narración clásica de historias, prque el protagonista, Holly Martins trata de impedir que, el villano Lime, logre alcanzar su meta que es hacerse rico a costa de los demás.
En cuanto al aspecto técnico, el film presenta importantes tomas con profundidad de campo y una gran combinación de ángulos de cámara. Gracias a este magistral empleo de la técnica ha compuesto la escena más memorable de la película: la presentación de Harry Lime con una iluminación donde dominan los claroscuros, en el momento en el que es descubierto por su amigo Martins. Del mismo modo, destacan otras esccenas como la persecución subterránea o la escena de la noria.
La banda sonora de la película, con la cítara de Anton Karas, famosa incluso para quien no ha visto lel film, tuvo tanto éxito que fue la que provocó el fenómeno de la comercialización de las bandas sonoras de las películas.
A continuación, la escena de la noria donde se encuentran los dos personajes principales. Atentos a la mítica bada sonora.

"El crepúsculo de los dioses" de Billy Wilder narra la historia de un guionista frustrado que se ve en la necesidad de escribir un guión para una vieja gloria del cine mudo. Entre ellos surgirá una relación de amor-odio, donde llegarán a tomar parte tanto la muerte como la locura.
Esta obra imprescindible de Billy Wilder, con su habitual colaborador Charles Brackett como guionista, realiza una crítica a los excesos de los artistas relacionados con Hollywood. Destacan en el film las magistrales interpretaciones de la pareja protagonista formada por William Holden y Gloria Swanson.
A pesar de que el director es más conocido por sus films de corte cómico, esta película relata un drama en el que no utiliza la clásica estructura narrativa, sino que se toma ciertas libertades en la composición del guión que le dan una gran riqueza a los diálogos.
El film se estructura bajo un flashback que introduce la historia y donde se ve al protagonista asesinado en la piscina. A partir de ese momento el relato se cuenta en primera persona por el propio "asesinado". Se trata de una ironía basada en un narrador muerto-vivo, en contraposición con los personajes que están muertos en vida.
"El crepúsculo de los dioses" fue rodada en el más absoluto secreto, dado que la productora no iba a permitir que se hiciera una película que criticase el modo de hacer cine hollywoodiense. Así Billy Wilder, dijo que estaba rodando una peli diferente, con un argumento distinto.
A continuación presento la magnífica escena final de la película donde la diva Norma Desmond desciende por unas escaleras para ser, posteriormente, detenida por la polícia, en medio de los focos y miradas de todos los asistentes, como si aún fuera la estrella del cine que jamás llegó ser, ahora enloquecida por la soledad y las fantasías.

"Testigo de Cargo" fue rodada en 1957 por el gran Billy Wilder. Está basada en una de las novelas de la escritora de misterios Agatha Christie pero no se trata de una adaptación cualquiera, ya que Wilder demuestra que también en el cine de suspense puede ser un maestro.
La historia trata sobre un abogado criminalista que acaba de salir del hospital y decide aceptar su último caso antes de jubilarse. Aparentemente se trata de un caso sencillo, el asesinato de una anciana millonaria sin embargo la intervención de la esposa del acusado (Marlene Dietrich) complicara mucho la situación. En el film también participan otros actores como Charles Laughton y Elsa Lanchester entre otros.
Gracias a esta película Billy Wilder obtuvo 6 nominaciones a los Oscar (mejor película, director, actor principal, actriz de reparto, sonido y montaje) sin embargo, finalmente no obtuvo ninguno de ellos.
La puesta en escena del film es admirable, ya que Wilder realiza una sabia intercalación de flashbacks con un ritmo muy preciso ayudando a que no decaiga la trama ni la atención del espectador. Además, "Testigo de Cargo" destaca por disponer un guión excelente en el que los diálogos tiene mucha importancia.
También es de destacar las actuaciones de los actores, aunque una parte importante de su interpretación es la perfecta definición de los personajes que ofrece el guión.
En el plano técnico destacan los primeros planos y los trucajes de pantalla (ejemplo: cuando el abogado y la enfermera van en el coche, el paisaje que se ve por la ventanilla no es real).
Se trata de una película que conviene verla hasta el final ya que tiene un término sorprendente acompañado de la voz en off del propio director del film.
A continuación presento una escena del juicio final:

Durante la década de los 50, mientras en Italia se seguía desarrollando el neorrealismo italiano con gran fuerpa, en Francia e Inglaterra empiezan a tener en cuenta dicha corriente para elaborar sus líneas estéticas. En el país galo se produjo una renovación de la industria cinematográfica gracias a una nueva escuela denominada "Nouvelle Vague", formada por jóvenes cineastas que criticaban el cine comercial de la época, ya que se consideraba que ese cine relegaba a los autores a un segundo plano.
En el cine de la Nouvelle Vague el director debía alcanzar el carácter de autor y la película debía ser un replejo de los sentimientos e inquietudes de este creador. Además, se defendía la simplicidad técnica y la naturalidad en la actuación de los personajes, así como en los esccenarios y en el sonido.
"Los 400 golpes" (1959) ópera prima de François Truffaut es el culmen de este tipo de cine. Relata la historia de Antoine Doinel, un adolescente un tanto conflictivo a la vez que incomprendido tanto en su casa como en la escuela. Tras el intento de robo de una máquina de escribir, el joven será enviado a un correccional de menores.
La película tiene un marcado acento realista en el que existe, además, una importante carga autobiográfica del director. Truffaut sobre todo hace un especial hincapié en la soledad, en la falta de cariño, etc. donde lo más importante son los movimientos de los personajes y en ello colabora la prodigiosa fotografía, llena de una gran neutralidad y donde destaca la presencia de la ciudad y las calles.
En cuanto a los efectos técnicos, conviene destacar los travelling y encuadres dinámicos que aparecen en las escenas en las que aparece el mar, para dar una sensación de libertad. También hay muchas panorámicas e incluso secuencias grabadas con cámara en mano para dar un cierto subjetivismo a la escena.
Además, es común que en las películas de la corriente Nouvelle Vague se realicen constantes referencias culturales. En el caso de "Los 400 golpes" el cine y la literatura son la manera a través de la cual el protagonista se evade de la realidad. Hay tres alusiones a películas:
-La esclava libre de Raoul Walsh
-París nos pertenece de Jacques Rivette
-Cero en conducta de Jean Vigo

Con esta película Truffaut rompió los moldes temáticos del cine francés de la época, proponiendo una reflexión a la vez que crítica, acerca de los valores sociales que imperaban por aquel entonces.

El "Tócala otra vez Sam", "Siempre nos quedará París" o "Este es el principio de una gran amistad" son sólo algunas de las frases más memorables de este clásico que siempre se ha clasificado entre las mejores películas de la historia del cine.
Para aquellos que todavía no hayan visto la oscarizada película (mejor pelicula, guión y director), "Casablanca" es un drama romántico ambientado en la segunda Guerra Mundial. La ciudad, de fácil acceso pero casi imposible de abandonar, tiene como escenario a una pareja, Rick e Ilsa, que se vuelve a reencontrar después de algunos años, con un inconveniente: una tercera persona, Victor Laszlo. Rick tendrá que elegir entre su felicidad o el idealismo y las numerosas vidas que podrían salvarse. Esta historia está basada en una obra no estrenada que se titulaba "Everybody comes to Rick's, escrita por Murray Burnett y Joan Allison.
A pesar de ser considerada una obra maestra, es destacable que cuando empezó a rodarse ni siquiera estaba el final del guión escrito. Los hermanos Epstein escribieron tantas veces el guión hasta tal punto que los actores, y sobre todo Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, interpretaban sus papeles sin saber cómo acabaría la película.
Cuando "Casablanca" se estrenó, a pesar de tener un inicio sólido no fue todo lo espectacular que cabía esperar pero se fue colocando poco a poco entre los primeros puestos de las listas de mejores películas gracias al boca a boca del público. La crítica siempre ha alabado las actuaciones de los dos protagonistas que demostraron una gran química entre ellos.
En España, el estreno estuvo sujeto a algunas censuras debido a que el personaje principal de la película luchó en el bando republicano durante la Guerra Civil Española. Este dato se suprimió de la primera versión debido a la dictadura de Franco que sufría, por aquel entonces, España (1946). Del mismo modo, se conocen hasta tres doblajes diferentes de la película; el original, el de 1966 y el 1983.
Como imagino que todo el mundo ha visto la película, me atrevo a presentaros el gran final de "Casablanca", una obra de arte:

King Kong es una película de aventuras de 1933 dirigida por los estadounidenses Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Aunque todo el mundo conoce más o menos el argumento de la película, lo expongo para los más despistados:

La película trata sobre un director de cine de aventuras que arma una expedición para rodar una película en parajes nunca antes vistos. Consigue a una joven desamparada como actriz y sin dar más datos a su tripulación, parten hacia la Isla Calavera, donde existe la leyenda de un ser gigantesco. Cuando llegan a la isla y los nativos ven a la actriz, la secuestran para ofrecerla en sacrificio para King Kong. El segundo de a bordo consigue liberarla pero el famoso simio Kong les persigue. El director de cine aprovechará para capturarlo y poder llevárselo a Nueva York como “mono de feria”.

King Kong es una de las primeras películas que trató de aplicar los efectos especiales al relato, y aunque hoy en día nos parezcan totalmente arcaicos, para la época fue toda una revolución. De hecho, se construyó una maqueta a tamaño real de King Kong y otras maquetas parciales de cara, brazos, etc. para los planos cortos.

Este tipo de cine podría definirse como expresionista por la gran cantidad de claroscuros utilizados y el tipo de montaje que lleva el hilo de la historia. Destaca el hecho de que apenas hay movimientos de cámara sino que son los actores los que confieren cierto dinamismo a la película a través de un montaje muy bien elaborado que hace que el espectador no pierda el ritmo en ningún momento. Son muy abundantes los planos picados y contrapicados que ayudan a dar cierta carga semántica a los personajes para dar una sensación da mayor o menor tamaño.

Entre las influencias más importantes de esta película se encuentran las historias de aventuras donde se relata la existencia de mundos perdidos como la que contaba, años antes, Arthur Connan Doyle.

En un principio el film iba a llamarse “La octava maravilla” sin embargo, fueron los publicistas los que decidieron que debería llamarse como el gran simio. Es más, en la película, el gorila se llama Kong, y el King inicial también resultó ser parte de la campaña publicitaria.

También hay que destacar que King Kong es una especie de adaptación de la famosa historia de “La bella y la bestia”. Sin embargo, y al contrario que en las versiones 1976 y 2005 donde Kong siente amor por la chica, en este film de 1933, la joven sólo es un juguete para el gorila que resulta ser un villano que ataca a la humanidad.

Ahora pongo un fragmento de la película pero antes de nada, recuerda que estás en 1933 y que jamás has visto unos efectos (criaturas gigantes) como estas:

Ciudadano Kane, además de ser la ópera prima de Orson Welles, fue su gran obra maestra. Este film rodado en 1941 marca, probablemente, un antes y un después en el modo de contar historia cinematográficamente.
La película cuenta la historia de un magnate llamado Charles Foster Kane (interpretado por el propio Wellees) y de gran parecido con el hombre de negocios William Randolph Hearst, creador de la prensa amarilla (de hecho, muchos opinan que la película está basada en este personaje). Un periodista llamado Jerry Thompson investiga la vida de Kane para poder averiguar el significado de la palabra que pronunció antes de morir: Rosebud. Esa será la palabra desencadenante de todo el relato encuadrado en continuos flashbacks representados a través de las entrevistas que va realizando el periodista.
A pesar de ser la primera película de Orson Welles demostro un magistral uso de numerosos avances técnicos como la profundidad de campo, los encuadres, la puesta en escena, el montaje o el juego de luces y sombras, entre muchos otros recursos que hacen que la película se convierta, para muchos, en la mejor de toda la historia del cine.

El American Film Institute (AFI) confeccionó a mediados de Junio de 1998 una lista de las 100 mejores películas de la historia del cine, conmemorando el centenario de este invento. La encuesta se realizó entre 1500 personajes relevantes del mundo del cine y se nominaron un total de 400 películas, realizadas entre los años 1912 y 1996, de las que salió la lista final. Estas son las primeras 10 de la lista:

1. CIUDADANO KANE - CITIZEN KANE (1941)
2. CASABLANCA (1942)
3. EL PADRINO - THE GODFATHER (1972)
4. LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ - GONE WITH THE WIND (1939)
5. LAWRENCE DE ARABIA - LAWRENCE OF ARABIA (1962)
6. EL MAGO DE OZ - THE WIZARD OF OZ (1939)
7. EL GRADUADO - THE GRADUATE (1967)
8. LA LEY DEL SILENCIO - ON THE WATERFRONT (1954)
9. LA LISTA DE SCHINDLER - SCHINDLER'S LIST (1993)
10. CANTANDO BAJO LA LLUVIA - SINGIN' IN THE RAIN (1952)

Ciudadano Kane ganó un Oscar al mejor guión original y estuvo nominado a otras 8 categorías: película, director, actor principal, dirección artística, fotografía, música, sonido y montaje.
Después de esta película la carrera de Welles fue de mal en peor, principalmente, según cuentan, porque Hearst hizo lo posible para que la película no permaneciera en cartel y que no le otorgasen más que papeles pequeños en películas insignificantes a Orson Welles.

A continuación, pongo dos fragmentos de la película; uno de ellos el trailer del film y el otro, la famosa escena cuando Kane pronuncia su última palabra: Rosebud.