Si no les gusta o incluso les indigna la canción de esta semana, échenle la culpa a Nacho Canut, que es el responsable de que haya prestado atención al grupo argentino Miranda!. Yo tenía ese nombre archivado en el privadísimo y repleto cajón mental llamado 'artistas a los que jamás he escuchado pero que creo que no me gustan', junto con otros mucho más relevantes y por lo tanto aún menos confesables, pero Canut escribió el mes pasado en su blog que el anterior álbum de Miranda! es uno de sus discos favoritos de todos los tiempos, así que decidí darles una oportunidad, porque Canut suele recomendar cosas buenas como la ventresca de Auchan o los raviolis Rana de pera y queso.

En fin, que aquí tienen la resplandeciente Mentía, un estribillo ultracomercial que puede agujerearles el cerebro y tenerles canturreando todo el día. Lo digo por experiencia, claro. Como contexto, si saben tan poco de Miranda! como sabía yo, quizá les baste saber que definen lo suyo como "electropop melodramático" y que han compartido alguna gira con Fangoria -ajá- y algún concierto con... Pimpinela, los grandes maestros del melodrama musicado.

Lo del segundo álbum de la cantante noruega Annie es una cosa un poco complicada. Sus seguidores lo tienen en su poder desde hace por lo menos un año, cuando empezó a manar de las pródigas fuentecillas de Internet, pero la compañía Island nunca llegó a editarlo. Ahora sale por fin (el lunes en Inglaterra, el mes que viene en Estados Unidos) a través de un sello independiente y con el mismo título, Don't Stop, aunque se trata en realidad de un disco diferente, con distintas canciones e incluso nueva portada (si es que se puede decir que un disco que no se llegó a editar tenía eso que solemos llamar portada).

Si ustedes no conocen a Annie, me diran que qué les cuento, que a ver a quién les interesan estas menudencias y estos menudillos. Y tendrán razón: en realidad, todo el rollito anterior y lo de la fecha de lanzamiento es simplemente un apoyo para colgarles uno de los mejores temas pop de los últimos tiempos, Songs Remind Me Of You, que está incluido en el álbum. Ya se lo recomendé hace un año, pero no me resisto a repetir con un vídeo de mentira que parece de verdad.

Qué tema más bueno, por cierto, para empezar mis minivacaciones de otoño. Estaré de vuelta en diez días de nada, pero les dejo programada una canción de la semana para el viernes que viene. Ahora, a bailar.

A ver si me explico: el grupo que firma esta canción me tiene bastante descolocado, como si fuese mi primer contacto con una forma de vida alternativa que se me ha aparecido de repente. Se trata de Papa Topo!, son de Baleares y están todavía con un pie en la adolescencia y otro en la primera juventud: el líder tiene 17 años y la vocalista, 14, aunque cuando se grabó esta aparición televisiva ya estaba "a punto de cumplir los 15". Desde que volví de mi mes de desconexión me los he ido encontrando citados por todas partes y este vídeo ya lo han colgado blogs mucho más importantes y transitados que éste, pero no me resisto a conocer la opinión de la comunidad evadida ante el sonido estupefaciente, valeroso y radicalmente naíf de estos chicos, que dejan a la mayor parte del tontipop como un hatajo de farsantes. Y ojo, que estamos ante una opción estética totalmente definida: Adrià, aquí a los teclados y las labores vocales, acaba de colgar en su blog unos recopilatorios veraniegos que van desde Aerolíneas Federales y Aventuras de Kirlian hasta... bueno, hasta decenas de grupos de los que yo jamás había oído hablar, pasando por The Carrots, All Girl Summer Fun Band, The Fantastic Baggys, The Queers o BMX Bandits.

Como se les pegue la canción, ya verán qué gracia.

Ayer, después de trabajar, subí a la montaña para ver a Depeche Mode. Como la ruta es larga, por el camino me acosaron las dudas y la añoranza del sofá, pero finalmente mereció la pena la expedición: Depeche Mode –¿cómo pronuncian ustedes el nombre, por cierto? ¿A la inglesa, a la francesa o... a la española como yo?– se reafirmaron como una banda excepcional que trascendió hace muchos años el tecnopop de sus comienzos. Porque lo que vimos anoche no es, desde luego, un concierto de tecnopop, pero tampoco se trata exactamente de un concierto de rock ni de música electrónica: la banda británica mezcla unos ritmos casi brutales, los guitarrazos ocasionales de Martin Gore –que ahora se dedica primordialmente a las cuerdas y no a las teclas–, un frontman a años luz de la pasmada sosería habitual en la música electrónica y unas canciones mayúsculas, que a menudo delatan influencias clarísimas del blues y el gospel.

Sí, Depeche Mode son excepcionales por haber creado su propio estilo y también por haber sabido construir una carrera sólida, sin periodos desechables. Si en 1987, cuando un servidor se compró su primer vinilo del grupo, nos hubiesen dicho que algún día Depeche Mode iban a dar conciertos sin tocar ni un solo tema de sus cuatro primeros álbumes, nos habríamos echado a reír sin parar: ¿cómo no iba a caer, no ya un Just Can’t Get Enough, sino un Everything Counts, un Master And Servant o un People Are People? Pues ya ven, no tocaron ninguno. En realidad, uno se daba cuenta durante la actuación de que podrían prescindir de toda la década de los 80 –que, en cierto modo, es su década, la que alimentó su estilo– y mantener un repertorio potente y atractivo. Eso sí, se agradece que no lo hicieran y que en Kobetamendi sonaran Stripped, A Question Of Time, Fly On The Windscreen y una de mis favoritas, Never Let Me Down Again, mi cumbre personal del concierto. ¿Otros momentos clave? Habrá que citar Home –cantada por Gore, acompañado sólo por un teclista clavadito a Óscar Cubillo–, el Personal Jesus que cerró el concierto y, por supuesto, la definitiva y siempre apabullante Enjoy The Silence, aunque a mí me sorprendieron particularmente temas que tenía en menos estima como Walking In My Shoes o Precious. Incluso algunas canciones del último álbum –regularcillo, digan lo que digan– se sostenían bien con la contundencia del directo.

A ver si algún día hago un post reivindicando A Broken Frame, ese disco eternamente infravalorado.

Ah, los 80... Si sienten fobia por la música comercial de aquella década, no sigan, porque esto es tecnopop español en estado puro. Son los aragoneses Vocoder, a los que yo tenía presentes por su éxito Qué sucede ahora, que conservo grabado en una de aquellas casetes Basf o TDK que eran los toscos P2P de la época. Pero ya he dicho alguna vez por aquí que Internet llega mucho más allá que nuestra memoria, y hace poco me bajé de un blog de discos descatalogados su tema Radio, que me ha devuelto a un estado de acrítica inocencia y hechizo retrofuturista. Vamos, que me encanta. Mi sorpresa ha sido mayúscula al encontrarlo también en YouTube, donde Vocoder mantienen un canal propio, así que aquí se lo traigo. Y, de propina, en la segunda parte del vídeo viene el Qué sucede ahora, con su vocoder (ya saben, esa voz robotizada) y su rap.

Juan Rivas es un peculiar artista gallego que habita un mundo propio. Desde sus tiempos con el grupo Estereoceáno, se ha ido fabricando un estilo personal e inconfundible, un cóctel –esta palabra resulta casi ineludible al hablar de él– que suele tener como base la música brasileña pero la aliña con arreglos imaginativos de música de salón y una buena dosis de Movida ochentera: por su timbre de voz, también resulta casi ineludible mencionar a Golpes Bajos, de quienes se olvida a menudo su ramalazo tropical, tan evidente en temas como Colecciono moscas o Escenas olvidadas. ¿Que ustedes son rockeros y no les motiva mucho tanta calidez y sofisticación? Ya, seguramente a mí me pasaría lo mismo si me hubiese limitado a leer la fórmula, pero por el mismo precio pueden escucharla y, si se animan, bailarla: Rivas regala en su MySpace su nuevo álbum, Superdiscotropical, y les aseguro que todo esto que les he contado resulta mucho más efectivo cuando suena. Ocurre un poco lo que se ve en este vídeo, que uno acaba tropicalizando su casa y queriendo inflarse a caipiriñas.

Vale, el título tiene trampa: no son ABBA, porque hay que quitar la A de Agnetha y la A de Anni-Frid, pero sí se trata de la primera colaboración en más de quince años de las dos bes que constituían el núcleo del nombre y también el núcleo del cuarteto sueco en sí, esos dos magos de la canción llamados Benny Andersson y Björn Ulvaeus. Resulta que Andersson es propietario de un hotel en Estocolmo –entre otras muchas cosas, porque esta gente ganó su dinerín– y decidió componer una canción para que la grabasen los empleados, entre los que parece haber muchos aficionados a la cosa coral. Ulvaeus se enrolló y escribió la letra para este Second Best To None que les cuelgo abajo, que no pasará a la historia pero constituye una buena noticia: las últimas informaciones sobre Ulvaeus habían sido poco alentadoras, ya que, según se ha dicho, sufre graves pérdidas de memoria y ni siquiera recuerda hitos como la victoria de ABBA en Eurovisión.

Ahora, damos paso a la publicidad. Ya saben: en Estocolmo, Hotel Rival.

¿Se han dado cuenta de que casi nunca comento discos nuevos? Les confesaré la razón: para cuando he escuchado un disco las suficientes veces como para hablar de él con algún fundamento, ya hay en la red miles de críticas, comentarios y análisis en profundidad, una masa abrumadora de información y opinión en todos los idiomas del mundo que me induce al silencio. Dicen por ahí que Internet alienta la creatividad, pero les juro que a mí, muchas veces, me apabulla y me retrae, porque tengo la sensación de que todo lo ha dicho alguien antes y mejor. Así que, asumiendo mi cómodo lugar en el mundo, les quiero hablar de dos artistas que tienen disco nuevo, pero lo haré simplemente para recomendarles una canción vieja de cada uno de ellos. Ya conocen uno de los lemas de este blog: ¡viva la inactualidad!

La primera es Maia Hirasawa, una cantante sueco-japonesa que acaba de editar un single acompañado de un vídeo mareante. Al hablar de ella, surge de forma casi inevitable la referencia de Björk, pero no por el estilo sino simplemente por la voz: viene a ser como si a Björk le borrasen del cerebro las ganas de trascender, hasta convencerla de que lo suyo es el pop con estribillos de efecto inmediato. Para mí, Maia Hirasawa editó en 2007 una de las mejores canciones comerciales de los últimos años, gran éxito en mi casa: And I Found This Boy. Y a eso íbamos...

Los otros son Metric, que forman parte de la fértil escena canadiense y, si bien se les supone cierta intención alternativa, facturan un sonido totalmente accesible, fácil, mainstream. En abril sacan un álbum nuevo, Fantasies,que ya se ha filtrado esta semana, pero nosotros somos muy legales y nos vamos a remontar a su redondísima Combat Baby, de 2003.

Empiezo por lo más tonto: ¿quién puede resistirse a escuchar a un grupo que lleva en su nombre la letra Å? Es más, ¿quién puede resistirse a Detektivbyrån si llevan en su nombre la letra Å y, encima, utilizan pianos de juguete? El trío sueco, que en español se llamaría Agencia de Detectives, destaca en un estilo instrumental onírico y agridulce que podríamos desdeñar como simple preciosismo para fans de Amélie. Quizá sea sólo eso, no sé, pero yo no puedo resistirme a su sonido de orquesta de Hamelín (¿se han enterado, por cierto, de que el pueblo alemán sufre una plaga de ratas?), y menos aún si les veo tocarlo en directo, como en esta grabación de la tele sueca.

Ah, esta canción y algunas más se pueden descargar con todas las de la ley aquí.

Esta semana he descubierto una canción que se publicó en abril. Tírenme piedras si quieren, que eso no me avergüenza: en realidad, todas las semanas estoy descubriendo canciones que se publicaron hace treinta y cuarenta años. Lo que me descoloca un poco y me empuja a tristes meditaciones es que yo YA TENÍA esa canción desde abril: supongo que la descargué de algún blog alegal y perverso, o que me la pasó algún amigo, o que venía de regalo con los cereales de Auchan, pero el caso es que el tema de marras lleva siete meses en mi iTunes y mi iPod sin que yo, iDiota, haya sabido siquiera de su existencia. Qué tiempos.

Seguro que se acuerdan de Young Folks, la canción con silbiditos del trío sueco Peter Bjorn & John que nos obligaron a escuchar hasta la extenuación en la tele (era la sintonía de Cuestión de sexo, creo), en tonos de móvil (aquí, en el periódico, un compañero lo llevaba, y es curioso cómo una melodía tan buenrollista puede abrir la sed de sangre con sólo reproducirla diez veces seguidas) y en lugares públicos en general. Pero, si han sido capaces de olvidar la experiencia, allá ustedes: pinchen aquí y se tirarán silbando el resto de la jornada. En fin, yo pensaba que los chicos estos serían un grupo como de mentira, asalariados de algún Doctor Infierno del pop, pero resulta que son músicos de verdad y llevan una década en activo. Y ahí llego a mi canción de esta semana, Social Competence, que fue el single en solitario de uno de ellos, Peter Morén, y reafirma a estos tipos como campeones de la melodía pegadiza. Aquí debajo tienen a Morén en un vídeo de la tele sueca, enfrentado a los elementos mientras interpreta la canción con guitarra y armónica. A ver si les gusta. Yo voy a ponerme a revisar más archivos con 'cero reproducciones', a ver si encuentro algún otro tesorillo en el subsuelo del disco duro.