No me entusiasma mucho la senda que están tomando las Plastiscines, esas francesitas que me sedujeron como a un tonto con las canciones de su primer álbum. Vale, vale, puede que su pinta también tuviese algo que ver en eso de la fascinación, pero les prometo que aquel disco me habría gustado igual en el improbable caso de que detrás hubiese habido cuatro gañanes bigotudos. En este tiempo, las muchachas se han convertido en las niñas mimadas de la revista estadounidense de tendencias Nylon, hasta el punto de que la publicación ha creado un sello discográfico para editar su segundo álbum, About Love. Sólo lo he escuchado por encima, pero –al igual que me pasó con el EP de adelanto, Barcelona– me parece que por el camino se ha perdido buena parte de lo que a mí más me gustaba de estas chicas. Y no me refiero a la pinta, desde luego, porque eso está claro que lo mantienen.

Digamos que ahora suenan menos espontáneas y menos rockeras, por mucho que su single se titule Bitch (vamos, puta, perra o similar) y que dediquen buena parte de la canción a decir la palabrita con todas sus letras. Otra cosa es que, por supuesto, esto debería triunfar.

No sé si habrán echado un vistazo a esto, pero es bastante llamativo. Óscar Cubillo ha entrevistado en GPS a Kip Berman, guitarrista y vocalista de los neoyorquinos The Pains Of Being Pure At Heart, que han conseguido convertirse en uno de los grupos de moda en todo el mundo pese a ese bautismo largo y cansino de decir, y resulta que el hombre le ha declarado lo siguiente sobre sus influencias: «Crecimos con mogollón de bandas americanas, como Nirvana, Sonic Youth y Yo la Tengo. Aunque también estábamos al loro de las escocesas tipo The Pastels, Teenage Fanclub, The Vaselines, Orange Juice y Belle And Sebastian. Aparte, hay un grupo español llamado Nothing que suena asombroso. Salió a mitad de los 90, pero recientemente he oído su canción My Green Pencil y me encantó. Quizá encuentre algún viejo single cuando estemos por ahí». Se refiere, claro, a su inminente gira española, que pasará por Santana 27 el viernes que viene.

Seguro que algunos de ustedes se acuerdan de los zaragozanos Nothing, pero, por si acaso tienen memoria débil como yo, aquí les cuelgo My Green Pencil. Sorprende un poco que un grupo de aquella hornada, que muchos considerábamos mimética de modelos extranjeros, pueda influir de algún modo en una banda de Nueva York, pero –escuchándolos ahora, tantos años después– a lo mejor es cierto que los indies españoles de este tipo llegaron a dar forma a un subgénero con rasgos propios e imitables. ¿Qué opinan?

Si no les gusta o incluso les indigna la canción de esta semana, échenle la culpa a Nacho Canut, que es el responsable de que haya prestado atención al grupo argentino Miranda!. Yo tenía ese nombre archivado en el privadísimo y repleto cajón mental llamado 'artistas a los que jamás he escuchado pero que creo que no me gustan', junto con otros mucho más relevantes y por lo tanto aún menos confesables, pero Canut escribió el mes pasado en su blog que el anterior álbum de Miranda! es uno de sus discos favoritos de todos los tiempos, así que decidí darles una oportunidad, porque Canut suele recomendar cosas buenas como la ventresca de Auchan o los raviolis Rana de pera y queso.

En fin, que aquí tienen la resplandeciente Mentía, un estribillo ultracomercial que puede agujerearles el cerebro y tenerles canturreando todo el día. Lo digo por experiencia, claro. Como contexto, si saben tan poco de Miranda! como sabía yo, quizá les baste saber que definen lo suyo como "electropop melodramático" y que han compartido alguna gira con Fangoria -ajá- y algún concierto con... Pimpinela, los grandes maestros del melodrama musicado.

En 2005, un nutrido grupo de músicos, en su mayoría norteamericanos, editó este Do They Know It’s Hallowe’en? con el propósito de recaudar fondos para Unicef. En este caso, las buenas intenciones estaban unidas, cosa rara, al buen humor, ya que la canción es una sátira de Do They Know It’s Christmas?, el himno grabado en el Reino Unido a mediados de los 80 para combatir el hambre en Etiopía y, de paso, convertir a un músico regularcito como Bob Geldof en un campeón mundial de la solidaridad. Nuestra canción de hoy hace mofa del paternalismo en el que suelen chapotear las iniciativas de este tipo: la letra pide ayuda a “Letonia, Laos, Chad, Perú” y el universo en general ante la amenaza de los monstruos de Halloween. “Ellos no saben el miedo que sufrimos una vez al año”, argumentan.

El grupo, bautizado como North American Halloween Prevention Initiative, fue una idea canadiense en la que se enroló gente como Beck, Malcolm McLaren, Roky Erickson, Peaches, Devendra Banhart, Feist y componentes de Sonic Youth, Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs, Sparks, Rilo Kiley (por ahí anda mi admirada Jenny Lewis), Wolf Parade, Sloan, Les Savy Fav o Redd Kross. En esta página pueden seguir la letra con indicaciones de quién canta cada frase. Y sean solidarios con los pobres yanquis, hombre: por parafrasear otra parodia de este tipo de canciones, "tiéndeles la mano, te lo agradecerán".

Lo del segundo álbum de la cantante noruega Annie es una cosa un poco complicada. Sus seguidores lo tienen en su poder desde hace por lo menos un año, cuando empezó a manar de las pródigas fuentecillas de Internet, pero la compañía Island nunca llegó a editarlo. Ahora sale por fin (el lunes en Inglaterra, el mes que viene en Estados Unidos) a través de un sello independiente y con el mismo título, Don't Stop, aunque se trata en realidad de un disco diferente, con distintas canciones e incluso nueva portada (si es que se puede decir que un disco que no se llegó a editar tenía eso que solemos llamar portada).

Si ustedes no conocen a Annie, me diran que qué les cuento, que a ver a quién les interesan estas menudencias y estos menudillos. Y tendrán razón: en realidad, todo el rollito anterior y lo de la fecha de lanzamiento es simplemente un apoyo para colgarles uno de los mejores temas pop de los últimos tiempos, Songs Remind Me Of You, que está incluido en el álbum. Ya se lo recomendé hace un año, pero no me resisto a repetir con un vídeo de mentira que parece de verdad.

Qué tema más bueno, por cierto, para empezar mis minivacaciones de otoño. Estaré de vuelta en diez días de nada, pero les dejo programada una canción de la semana para el viernes que viene. Ahora, a bailar.

Luis Aguilé, que ha fallecido a primera hora de esta tarde en Madrid, siempre me cayó muy simpático. Me gustaba su rollo de picaruelo elegante, esa manera de combinar ceremonia y desfachatez que se hacía tan patente en sus estridentísimas corbatas. Curiosamente, por raras circunstancias de la vida, he acabado teniendo en casa un par de discos firmados por él y su novela La nieve de las cuatro estaciones, que trata sobre la cocaína y sus estragos. Quería recordarle con Es una lata el trabajar, uno de los pocos himnos con mensaje auténticamente universal, aunque en realidad la canción suya que más he escuchado en los últimos tiempos ha sido Nadie me quita mis vacaciones en Castellón, un pequeño clásico entre mis compañeros de curro que nos ha aliviado más de una vez ese latazo de la jornada laboral. Pero ni una ni otra: finalmente, he optado por la versión que hizo el grupo Doctor Explosión de La Chatunga, porque seguro que esa sí les gusta a todos ustedes. Así despedimos a Aguilé con la sonrisa que él solía lucir y contagiar.

No, no es que quiera jugar a las adivinanzas: la canción de esta semana se titula así, ?, está firmada por Mark Pritchard y abre el nuevo recopilatorio de Mary Anne Hobbs, que es lo que quiero recomendarles. Mary Anne es una de las DJs estrella de la BBC, especializada en electrónica poco comercial, y se ha hecho popular, sobre todo, como la mayor divulgadora del dubstep, género de bajos abisales y ambiente frecuentemente ominoso que se describe con bastante profundidad aquí. A mí, que de erudito en estilos electrónicos tengo poco, el dubstep me encanta y a veces incluso me apasiona, y eso que mi equipo de música y mis vecinos no me permiten escucharlo como Dios manda, es decir, con los graves retumbando en las vigas y en el esternón.

Mary Anne Hobbs ha sacado ya tres recopilaciones que demuestran su excelente gusto. Porque no sólo hay en ellas dubstep, grime y demás parentela: la mujer suele colar muestras de géneros bastante menos visibles y más incómodos. En el álbum anterior, por ejemplo, iba este Theory Of Machines de Ben Frost, y en el nuevo –titulado, que no se me olvide, Wild Angels– se ha atrevido a abrir con este pausado y ambiental ?. Por cierto, creo que aquí todavía se puede descargar la sesión de Mary Anne en el Sónar de este año.

Cada vez escucho más dub, ese reggae con efectos psicodélicos e hipnóticas líneas de bajo que parecen extenderse hasta el infinito y más allá. Lo que les traigo hoy es, en realidad, sólo un fragmento de una alucinante suite espacial que grabaron en 1978 Creation Rebel, un equipo de músicos bajo la tutela del productor Adrian Sherwood. Este hombre, que entonces era casi un debutante, acabaría grabando o remezclando en décadas venideras a grupos como Einstürzende Neubauten, Depeche Mode, Ministry o Nine Inch Nails, además de convertirse en el capo del nuevo dub británico a través del crucial sello On-U Sound: como analizan en su web, su visión del género se diferencia de la tradicional jamaicana en que buena parte de los músicos tienen raíces en el punk, la nueva ola o el funk, y se supone que eso acaba aflorando en la música.

Cierren los ojos (bueno, ábranlos si quieren ver el curioso vídeo, obra de un fan) y déjense llevar.

Los neoyorquinos A Place To Bury Strangers, que ya han asomado la nariz por aquí alguna vez, quizá sean el grupo actual que con más convencimiento recicla las electrizantes enseñanzas de The Jesus And Mary Chain y My Bloody Valentine. De hecho, juegan con ventaja: su guitarrista y cantante es fundador de una empresa, hermosamente bautizada como Death By Audio, que ha surtido de pedales de distorsión a grupos tan poco moderados como Lightning Bolt o los propios My Bloody Valentine y a luminarias del nivel de Wilco o U2. Su propia banda bien puede servirle como banco de pruebas, ya que parece aplicar el sano criterio de que un poco más de distorsión nunca viene mal.

Como ya comenté en su momento, su primer álbum sonó mucho en mi casa pese a que el mimetismo con el que reproducía a sus modelos lo hacía un poco sospechoso. Pero qué le vamos a hacer, este estilo puede resultar adictivo, así que seguramente en octubre me engancharé al segundo, Exploding Head, del que ya han editado este avance, In Your Heart. Cuidado, no les explote la cabeza a ustedes.

Yoko Ono es uno de los personajes conocidos a los que menos se conoce. Todo el mundo sabe quién es, pero hay muchísima gente que jamás ha tenido contacto con su obra. Y entiéndanme: no quiero decir con esto que escuchar alguna de sus canciones –por ejemplo– fuese a modificar un ápice la opinión de sus muchos detractores, pero por lo menos la odiarían con más conocimiento de causa. En su faceta musical, Yoko Ono es una extremista de mucho cuidado, una experimentadora vocacional que defiende la improvisación como fuente de hallazgos afortunados, así que ya se imaginarán que no constituye un plato para todos los gustos. Hoy traemos su tema Why, de 1970, por tres razones fundamentales:

-Estamos sumergidos en la semana de los Beatles, ya saben, y Why me parece ideal como contrapeso para tanta nostalgia falsa y rentable. Aquí tienen a dos beatles, John Lennon a la guitarra y Ringo a la batería, y un semibeatle, Klaus Voorman, al bajo, entregados a un sonido impermeable a todo intento de domesticar y capitalizar el pasado. De hecho, la he hecho sonar hace un momento por los altavoces del ordenador y, a los veinte segundos, varias compañeras han amenazado con partirme la cara.

-En cierto modo, también vivimos un momento importante para Yoko Ono, que dentro de diez días editará su nuevo álbum Between My Head And The Sky. Revistas de gustos muy dispares le están dando las puntuaciones máximas, con críticos atónitos ante la fuerza creativa que mantiene esta mujer a los 76 años. Eso sí, no se esperen plácidas melodías de abuelita.

-Hoy es 11 de septiembre, y Why me parece una de las mejores bandas sonoras para aquel horror de hace ocho años.

¿Preparados? ¿Listos? ¡Ya!